这两天没更新,因为一直在忙家务事——今天上午给客厅安了窗帘,这还是小事。前天从宜家搬回一个小床头柜加一个大五斗柜,昨天上午两个多小时,搞定小床头柜;下午到晚上,大概4、5个小时吧,把一块块板子、一颗颗螺母、一根根钉子
dǔi
在一起。不容易,而且照例又犯了一些小错误,但总算是顺利完工了,没有多出一块板子,虽然钉子确实钉歪了若干。不过付出的代价就是:腰酸背痛,还好总踢球,所以腿不抽筋。很久没这么
DIY 了,不过还是要大吼一声:体力劳动者光荣!

奥雅之光月光奏鸣曲套装怎么得?

作者:百田小编-小番茄来源:100bt.com时间:2017-12-05
15:1602017.12.08日起可得

奥雅之光2017.12.08日起,参加“金色音弦 雪奈尔冬季发布会”获得。

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  印象派在19世纪60-70年代以创新的姿态登上法国画坛,以新的视角真实地、科学地描绘客观世界,细腻至身边的光和空气氛围,用艺术家自身的感受和理性认识,来反对陈陈相因的古典画派和沉浸在中世纪骑士文学而陷入矫揉造作的浪漫主义。

图片 2

我们只浅谈影片 不谈政治。对社会主义国家的刻画非常出色 权力的层级制约
上下级的分明 对于自由思想以及私欲的限制和监视。每一秒都让人窒息。

所以要给大家介绍关于体力劳动者的一幅画《刨地板的工人》。

  印象派吸收了柯罗、巴比松画派以及库尔贝写实主义的营养,在19世纪光学理论的启发下,注重在绘画中对外光的研究和表现。提倡户外写生,直接描绘在阳光下的物象,从而摈弃了从16世纪以来变化甚微的褐色调子,并根据艺术家自己眼睛的观察和直接感受,表现微妙的色彩变化。代表艺术家有莫奈、德加、马奈、雷诺阿、西斯莱、毕沙罗等。

《日出印象》

艺术家在这样的桎梏下是无法生存的
企图挣脱这牢笼唯有死亡亦或是制度的终结。

图片 3刮地板的工人,1875年,居斯塔夫·卡耶博特,布面油画,102×146.5厘米,奥赛博物馆

  克劳德·莫奈(Claude Monet,1840—1926)

《日出印象》,法国印象派著名绘画作品,布面油画,1872年创作,纵48厘米,横63厘米,现藏于巴黎马蒙达博物馆。作者克劳德莫奈,印象派画派的创始人之一,该作品也被视为印象派的开端。

影片开篇 思想警察冷冰冰的制服和严肃的面孔给电影增色不少 随后召妓这一行为
电梯中的小孩 以及那本诗集都是主人公人性转变的开始。

The Floor Scrapers, 1875, Gustave Caillebotte, Oil on Canvas, 102 x
146.5 cm, Musée d’Orsay

  作为代表人物和创始人之一,莫奈是人们在谈论印象派时绕不开的人物,在印象派的理论和实践推广中,莫奈对光影之于风景变化的描绘让印象派真正发扬光大。

该画作描绘了法国勒阿弗尔港口一个多雾的早晨,两只摇曳的小船显得朦胧模糊,船上人影依稀可辨,远处的工厂烟囱,大船上的吊车等若隐若现。莫奈在创作中准确把握了自然界真实的色彩,海水被晨曦染成淡紫色,天空被各种色块晕染成微红色。

女人是软弱的
她独自承受了权力的压制却无法承受出卖爱人的肮脏灵魂。影片以东德为起点
展开批判整个社会主义国家当时的制度。令人窒息且毫无人性。

这是历史上第一幅表现城市劳动者的绘画作品。在此之前,米勒已经画过农民——《拾穗者》——并深深打动了凡·高,库尔贝选择细心刻画乡村的工人——《碎石工人》。卡耶博特则是开创新门类的第一人。

  莫奈的风景画突破了传统题材和构图的束缚,试图摆脱文学对绘画的影响,而是从关注绘画语言本身出发。完全以自身所感受到的视觉经验作为主要出发点,莫奈用厚重、明快的外光色彩,真实地记录所见的大自然瞬间,画中阳光透过枝叶间隙,形成色彩、光影斑斓跳跃的效果,让莫奈在阴影里找到了丰富的色彩和反光的描绘。

莫奈擅长风景画,该作品突出体现了他追求最真实的光效和色彩,恰如其分地表达自然界的微妙变化的艺术风格。受《日出印象》的影响,许多艺术家开始注重追求瞬间的印象表现,打破了写生和创作的界限。

最后 再把献给好人的奏鸣曲重温几遍 认真听过这乐章的人 内心必是柔软的。

卡耶博特与米勒和库尔贝不同,他没有选择批判现实主义的角度,觉悟实在不高,谁叫他没听过延安文艺座谈会的讲话呢?在这个富二代画家眼中,只有芭蕾舞般跳动的光线,六分仪般精准的透视,还有奥林匹斯山众神一样的工人。卡耶博特十分清楚自己的职责:“这一切细节中蕴含的神圣的美,我要精准记录下来。”

  1891年创作的《草垛》系列、《卢昂教堂》组画等作品,是莫奈开始在同一位置上,面对同一物象,描绘出它在不同时间、不同光照下的所呈现的不同色彩。莫奈开始忽视物象轮廓的写实,而是着重抓住一瞥的光影效果,重在表现物象的总体印象,对小笔触和原色的运用让冷暖并列的色彩远观时,能看到一瞬间颤动、和谐、美妙的色调。1891年,莫奈的15幅《草垛》展出,3天内,所有作品以每幅三、四千法郎的价格全部售罄。

《日出印象》是法国画家莫奈(1840-1926)的一幅油画作品。这幅画虽然不是莫奈最典型的作品,但它却是印象派画史上一面旗帜,因为印象派这个名称就源于这幅《日出印象》。

在印象派绘画里,自然光是画面中一切元素的总指挥。在它的策划、安排和协调下,房屋、树木、草地、鲜花,乃至人物,各安其位,有主有次,有先有后,有和声、有独奏;最后的结果,有的呈现为交响乐,有的听上去是奏鸣曲。

  莫奈对光与色的执著在他晚年创作的《睡莲》中表现更为突出。他根据吉维尼别墅花园池塘中睡莲的景象所描绘的组画,成为印象派具有里程碑式的作品。晚年的莫奈年迈体弱、视力衰退,他用原色作画,水的涟漪与阳光下花叶漂浮的颤动效果强烈。在莫奈的作品中,透视效果几乎消失,他取消了过渡和造型,而是用运动感和光来捕捉瞬间。晚年的莫奈,笔法上相对更加纵横不羁,更加自由和率真,色彩更加浓厚,画面的朦胧性和宏大的装饰效果,成了莫奈晚年作品的显著特色。这组画中12幅作品已被莫奈捐赠给法国政府。

19世纪70年代的法国,一批志同道合的青年画家不满古典主义画派的公式化传统,决心冲破旧的传统束缚,为画坛带来新鲜的空气。尤其是当时的科学家发现使他们震惊不已,原来人们日常生活中所熟悉的色彩并不是物体本身所固有的,而是光线照射的结果。或者换句简单地话说:没有光线,就没有色彩。白色的太阳光原来是由七色合成,世间不同的事物对光线的反映是不一样的。如果甲物体吸收了全部七种颜色的光线,甲物体便是黑色;如果乙物体反射全部七种颜色的光线,那么乙物体便是白色;如果丙物体吸收其他六种颜色而只反射绿色的光线,那么丙物体就是绿色。自然科学对光线和颜色之间这种关系的揭示,令莫奈等一批年轻画家们兴奋不已。他们一旦知道原来十分熟悉的各种色彩其实都离不开光线的作用,于是便主张画家到大自然中去,到太阳光下去观察对象,去捕捉光线和色彩的瞬息变化。

这幅《刨地板的工人》,指挥站在画面背景左上方,位于精美的铁艺阳台后面,有条不紊地调动着室内的乐团。阳台门在地板上反射出模糊的影子,隐隐约约甚至能看到外面的建筑。

  德加(Edgar Degas,1834—1917)

正是这样的艺术理论指导下。莫奈创作了这幅油画《日出印象》此前莫奈曾专程去伦敦,看到了英国画家透纳的晚期做品,尤其是透纳善于捕捉水面上变化多端的光线和色彩,直接影响到莫奈对于技法的追求。在反古典主义画派的传统方法,不去逼真的再现港口,而是在日光、雾气、水色之中来绘出一幅梦幻般的奇妙图画,在浓雾和晨曦中港湾的色彩瞬息万变,海面上微波荡漾,倒影在水中晃动,一轮红日正冲破黎明前的浓雾冉冉升起,表现了画家对日出前抓转瞬即逝的海港景色的鲜明印象。

图片 4往前来,是一个侧身与立面成45度角的跪姿工人,左手拄在地上,右手伸向前方去拿刮刀,和赤裸的上半身构成的姿势,让人想起古希腊的雕塑《诛弑暴君者》中年轻的阿里斯托革顿(Aristogeiton)。
不过,在画面中的三个人里,他看上去是最老的一个,在这一刻,也是被孤立的一个。

  在印象派内部存在两种类型的画家,一是以莫奈为代表,二是以德加为代表。与把风景作为主题的一些印象派画家不同,德加很少把风景作为绘画的主体,而是长于色彩柔和的室内群像,题材大多取自剧院、咖啡馆等,他笔下的人物经常具有一种莫名的孤独感。

莫奈的《日出印象》画完后,不久被送到巴黎的一次小型画展上去参展。由于当时的观众大多习惯于欣赏传统绘画与古典绘画,莫奈的这幅画显得相当另类,对观众来说是完全陌生的。一名小报记者在文章中批评这幅作品时冷嘲热讽地说,《日出印象》这幅画哪里是画的港湾,只不过是画家在画自己的印象罢了,戏称这些青年画家是一批印象派画家。莫奈和他的朋友们后来觉得这个嘲讽他们的名称正好符合他们的艺术主张,而且表明他们的作品不同于传统的古典画风,因此莫奈等一批富于创新精神的青年画家们干脆以此命名,印象派名称由此产生。

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  德加受过严格的古典主义教育,早年经常画一些人物肖像和历史题材的作品,古典主义情结浓厚。后来与印象派画家马奈等认识后,德加创作题材转向赛马、海滨浴场等。直到1870年代初期,芭蕾舞女成为德加非常喜欢的主题。

印象派是19世纪中期欧洲美术从现实主义向现代主义过渡的一个重要阶段。一方面印象派以创新的姿态反对传统,引起了世界艺术形式重大的变革,催生了后来的现代主义;另一方面印象派仍然以模仿自然为宗旨,并没有完全背弃传统的写实主义。甚至有些中国学者和艺术家认为,印象派绘画与中国传统绘画在追求上也存在着不少的共同之处。印象派绘画不断的发展变化。从早期的马奈、莫奈、雷诺阿、德加等人,发展到19世纪末法国新印象派,代表的点彩画家修拉,以及后来出现的后印象派大师塞尚、梵高、高更等。直到今天印象派绘画在世界各国仍旧是人们最喜爱的绘画流派之一。

图片 6

  在1875-1880年间,德加绘制了大量以芭蕾舞演员生活为题材的油画、色粉画和雕塑,代表作有《舞蹈课》、《在木杠上练功的舞女》、《拣花束的舞女》、《幕落》、《系鞋带的舞女》以及粉画《舞台上的舞女》等。德加善于捕捉舞蹈中演员一瞬间的动作,以准确生动的造型将对象固定在特定的环境中,他画芭蕾画得入神,以至于可以随时捕捉到生命或跃动或疲惫的瞬间,也因此赢得了“表现动态人物的绘画大师”的声誉。

那两个年轻人同样是跪姿,身体正对着观者,两人不知道在聊些什么。不过和年长者一样,只让我们看到他们的背部和四条并不过分健壮的臂膀。他们绝不如西斯廷天顶上上帝刚刚创造出来的亚当,不知道是不是因为姿势和光线问题,甚至不如米开朗基罗的大卫那么健硕孔武,更像是他年轻时成名作《圣殇》里的耶稣的臂膀,连姿势都有些像的。

  德加的作品多侧面反映了芭蕾舞女演员的前台、后台生活,表现了强烈的室内灯光反射效果,让芭蕾舞女们脸上和身上的光色无比复杂,他的油画和色粉画大多色调温暖饱满、轻快和鲜明。这些专以室内灯光为描绘对象的作品,是印象派绘画中最脍炙人口的艺术品。

 

  1867年完成的作品《苦艾酒》是德加另一张具有代表性的作品,在特定的咖啡馆环境中,画中人物穷困潦倒而苦恼的性格特征表现得淋漓尽致。在这张作品中,德加用粗犷的大笔触,将两个形象的性格表现得十分神化,一杯苦艾酒,反衬出两个失意人的精神状态,这幅画的构图也很独特,人物被放置在右上角,画面中,环境的空旷和人物的失意正好相映成趣,变成一幅很有思想性的叙事画。这幅作品被藏于巴黎卢浮宫内的印象派美术馆内。

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  雷诺阿(Pierre Auguste Renoir,1841—1919)

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  在印象派画家中,雷诺阿主要画妇女肖像和裸体,与德加画面中总是带有的失落和孤独感不同的是,他的作品中充满着欢乐的气氛和感情色彩。

正是这三具多少有些柔弱感的身体(竟然还是正在努力下汗工作的男性身体!),再加上都市劳动者的身份,让法国官方沙龙的评审委员会斥之为“低俗的主题”。27岁的卡耶博特,一怒之下,将其送到了印象派的第二次展览中。他也已经将自己的名字与印象派联在一起。

  早年,雷诺阿也曾画过古典题材,直至1874年创作的《包厢》显示其风格的成熟。而从1876年创作的《舞会》、1881年创作的《船上的午宴》等作品开始,雷诺阿的风格变得更加温柔。人物的构图上,轮廓线开始逐渐减弱,色彩的处理变得愈发柔和,画面有令人陶醉的梦幻感。

当然,古典主义中一向壮硕的裸男体魄被画成这样,跟卡耶博特的性向多多少少有些关系,他对男性裸体的兴趣,源于他对男性的兴趣。但是有必要指出,如此表现裸男,这在当时属于一个大的趋势,开先河者,是库尔贝笔下的两个摔跤斗士。

  雷诺阿笔下的女人形象总是有着明亮的脸部,这种光线甚至是非科学性的,他用明快响亮的暖色调子描绘青年妇女,他笔下的女人体洋溢着欢乐与青春的活力。

图片 9说回这幅画。如果说这三个人了构成某种富含张力的三重奏,那么画面中的另一个主角——在光线下变幻无穷的地板,就是在指挥的调度下灵动之极的独奏小提琴。

  如《红磨坊的舞会》中,画面中几乎人头攒动,但这种拥挤的感觉在雷诺阿的笔下变得十分活跃和热闹,色斑跳跃,给人愉悦欢乐的强烈印象。画面以深色调为主,人物由近及远,产生一种多层次的节奏感,与深色调相对的是人物面部的明亮,雷诺阿总是能生动地表现出人物脸上的光色效果及光影造成的迷离感,他保留着印象派对外光与色斑的运用,使画面的总体色调和气氛有一种颤动的强烈效果,色彩变化丰富,透明鲜艳。另外,深色调一直是印象派作品中极少触碰的,但是在雷诺阿的作品中,对深色的运用不在少数,他以细小的笔触体现深色,让画面产生了一种丰富、浑厚的层次。

地板本来是红褐色的,有些部分,比如最右侧男子前方的接缝处,还有他右边靠墙的某一个接缝,都能看到踩踏过久带来的消褪,所以要重新刨光。于是,有了这一条条米黄色的线条,它们的边缘起起伏伏,相较原来地板的直线,有另一种律动。中间男子身前,对比更加明显,在他的影子遮蔽下,左脚和两个膝盖前方的地板,刨与未刨的部分几乎难以分辨,红褐色和米黄色都呈黑色。右膝往前一点,一块地板马上就要“惨遭”男子的“毒手”,但它却在光的照射下,紧挨着黑色部分,变换为青白色,呼应着男子右后方的同伴,又是生命最后的绝唱。同样呼应的,还有男子前方、画面下沿的这几块,同样是黑色、米黄色、青白色的变奏。在变奏两边,一边是“毁灭后”、即将“涅槃”的大块米黄色,一边是过去的、衰老的红褐色。

图片 10图片 11精准记录自然光线下的颜色对比,是印象派的看家好戏,但就这幅画而言,卡耶博特更完美展现了西方古典绘画的传家宝:对透视的严谨掌握和表现。这是很多印象派作品中少见的特质。

地板以直线为主,但在观者的视角望过去,左边地板上的线条有一个角度,但总在无穷远处交汇于一点。很多画中的透视线是隐藏起来的,即使画家有些误差,一般观众难以分辨。可卡耶博特似乎是在有意炫技,故意把这么多线直接画給你看,你想拿把尺子来量吗?请随意!让人想起古典透视法大师乌切罗的《圣罗马诺之战》,那里的长矛、士兵、旗杆,同样是画家自己在透视法上的信心。

图片 12而卡耶博特画中不光有纵向的线条,还有横向的墙面花纹、以及阳台铁艺的弯曲婉转,这多种线条的组合与流动,似乎复兴了佛罗伦萨流派对于线条的重视,而他描绘的不同颜色地面光影,又仿佛是威尼斯的提香附身画成。

欣赏这幅画,还有一个有趣的细节。

油画放久了,画面上会出现微小的裂纹。年华洗礼,这一道道不规则的裂纹为作品带来另一种魅力,艺术君愿意称之为“油画的年轮”。在《刨地板的工人》中,青灰色的墙面上,金色的花纹中,“油画的年轮”清晰可见,就像现实生活中的墙面一样。刚注意到时,艺术君几乎觉得这都是卡耶博特有意为之,再稍微一思考,不由得暗笑自己的无知。转念一想,大约巴黎如今卡耶博特的画室里,墙面就是有这些裂纹吧,它们并不能影响、破坏什么,这些建筑还在,它们代表的文化还在,人类的精神还在。当我们看到这些年轮时,似乎我们也见证了它们见证过的悲欢离合,繁华兴衰,沧桑变幻。

图片 13再看看画面中的刨花和木屑吧,它们也曾闪亮过,无数霓裳靓装的先生小姐们在它们头上舞过,它们也聆听过无数曼妙的乐曲。现在,在地板线条的五线谱上,它们构成了一个个或明或暗、或高或低的音符。

 

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【说明:以上中文文字内容,除引用部分外,版权归郑柯所有,转载请标明出处。如果你想给坚持原创和翻译的艺术君打赏,请长按或者扫描下面的二维码。两个二维码,一个是一套煎饼果子,另一个您随意。】

 

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